A diario muchos me preguntan sobre cómo aprender animación y qué se necesita para que las animaciones se vean fluidas, creíbles y qué es eso que marca una diferencia entre un objeto que se mueve y uno que realmente parece que tuviera vida. Bueno, intentaré resumir todo en que para llegar a animar, lo primero es conocer y aplicar los doce principios de la animación. 








No importa la técnica, si es animación 2d, 3d, stop motion o cualquier otro método, vas a necesitar los doce principios. Bien, seguramente quien lea esto ya habrá escuchado sobre estos doce principios o hasta es posible que, como muchas personas, se saben de memoria estos principios, pero no basta con eso, hay que interiorizarlos, practicarlos, aplicarlos, no basta solo con saberlos. Empecemos con una teoría básica de estos doce principios y posteriormente en próximos posts profundizaré en cada uno de ellos. Empecemos. 

¿De donde nacen los 12 principios de la animación?


En 1981, las leyendas de la animación de Disney, Ollie Johnston y Frank Thomas, lanzaron un libro en el que recopilaban los 12 principios básicos para que un dibujo animado de la sensación de estar vivo. El libro, titulado: The Illusion of Life: Disney Animation está basado en el trabajo del primer grupo de animadores de la compañía, conocido como Los nueve ancianos. Los 12 principios de Johnson y Thomas son algo de sobra conocido entre artistas y animadores de todo el mundo. En resumen son los siguientes:

Estirar y encoger

La exageración y la deformación de los cuerpos, como si fueran flexibles, sirve para lograr un efecto más cómico, o más dramático. El estiramiento también ayuda a dar sensación de velocidad o de inercia.

Anticipación

Se deben anticipar los movimientos para guiar la mirada del espectador y anunciar lo que va a pasar. Esa técnica se divide en tres pasos: anticipación (nos prepara para la acción), la acción en sí misma, y la reacción (recuperación, término de la acción).

Puesta en escena

Con este principio traducimos las intenciones y el ambiente de la escena a posiciones y acciones específicas de los personajes. Poniendo en escena las posiciones claves de los personajes definiremos la naturaleza de la acción. Hay varias técnicas de puesta en escena para contar una historia visualmente. Esconder o revelar el punto de interés, o crear acciones en cadena (acción - reacción) son dos ejemplos.

Acción directa y pose a pose

En la acción directa creamos una acción continua, paso a paso, hasta concluir en una acción impredecible. En la acción pose a pose desglosamos los movimientos en series estructuradas de poses clave.
La acción directa da fluidez al movimiento, y proporciona un aspecto fresco, suelto y desenfadado. En la acción pose a pose se desarrolla un planteamiento inicial. Es una animación más controlada que viene determinada por el número de poses, y las poses intermedias. Se pueden mezclar estas dos técnicas

Acción continuada y superposición

Estas dos técnicas ayudan a enriquecer y dar detalle a la acción. En la acción continuada, el personaje aún sigue moviéndose después de la acción principal. En la acción superpuesta, se mezclan movimientos múltiples que influyen en la posición del personaje.

Entradas lentas y salidas lentas

Se trata de acelerar el centro de la acción, y ralentizar el principio y el final de la misma.

Arcos

Al utilizar trayectorias en arco para animar los movimientos del personaje le estaremos dando una apariencia más natural, ya que la mayoría de las criaturas vivientes se mueven en trayectorias curvas, nunca en líneas perfectamente rectas.

Acción secundaria

Consiste en pequeños movimientos que complementan a la acción principal y, de hecho son consecuencia de ella. La acción secundaria nunca debe estar más marcada que la acción principal

Ritmo

El ritmo da sentido al movimiento. El tiempo que tarda un personaje en realizar una acción, o las interrupciones y dudas en los movimientos definen la acción. También contribuye a dar idea del peso del modelo, y las escalas o tamaños.

Exageración

Acentuar una acción, generalmente ayuda a hacerla más creíble.

Dibujos sólidos

Un buen modelado y un sistema de esqueleto sólido (o un dibujo sólido como se decía en los años 30) ayudarán a hacer que el personaje cobre vida. Tener en cuenta el peso, la profundidad y el equilibrio simplificarán, además, posibles complicaciones posteriores en la producción debido a personajes pobremente modelados.

Personalidad o apariencia

Se trata de proporcionar conexión emocional con el espectador. La forma de ser del personaje debe ser coherente con su forma de moverse.
Estos 12 GIFs forman parte de un vídeo en el que Lodigiani explica estos interesantes principios.


Bien, se hizo un poco largo el post, pero aun hay mucho que contar, asi que estaré profundizando en próximos artículos en este blog. Espero pueda servir, si tienes dudas puedes dejarme un comentario.